A partir del 15 de septiembre se abrirá el plazo de inscripción para los talleres “Tardes en el CAC Málaga”, un taller de continuidad que se desarrollará durante todo el curso escolar 2010/2011 para niños y niñas de entre cinco y doce años. El objetivo del taller será acercar el arte a los más pequeños de una manera más amena y divertida.

La actividad es gratuita, y se realizará todos los miércoles y viernes a las 17.00 horas, con una duración aproximada de una hora. La inscripción a estos talleres podrá hacerse a partir del 15 de septiembre a través de la dirección de correo electrónico pedagogico@cacmalaga.org o en el teléfono 952120055.

El icono de la fuente de Marcel Duchamp es el comienzo del estudio de la manera en la que los artistas han usado materiales para crear una relación entre arte y realidad. La primera serie de cuatro en total preparadas por la colección de D.Daskalopoulos, une trabajos de tanto artistas de renombre como artistas raramente conocidos que se identifican por la búsqueda de la identidad, el deseo y la vulnerabilidad humana. Se pueden ver obras de artistas como Louise Bourgeois, Sherrie Levine o Robert Gober.

La figura del artista esta rápidamente representada en los body prints de David Hammons, en la estampa hecha con la propia saliva de Jim Hodge o la obra de arte de Despina Isaia con una muestra de su pelo. Marina Abramovic limpia un esqueleto en su meditación sobre el trauma del genocidio y de la amnesia social. Otros artista en la exposición son John Bock, Sarah Lucas y Sue Williams.

La exposición permanecerá abierta al público hasta el 5 de Septiembre en la Whitechapel Gallery en Londres.

PROGRAMACIÓN CAC MÁLAGA
SEPTIEMBRE 2010

HORARIO APERTURA

El horario de apertura del CAC Málaga hasta el 10 de septiembre es de 10h a 14h y de 17h a 21h (lunes cerrado). A partir del 11 de septiembre el horario será de 10h a 20h ininterrumpidamente (lunes cerrado).

EXPOSICIONES:

– DEXTER DALWOOD.

10 de septiembre al 28 de noviembre de 2010

– GAVIN TURK

25 de junio al 12 de septiembre de 2010

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta En Face, la primera exposición individual de Gavin Turk en España. Un conjunto de 72 bustos realizados en arcilla y que son el resultado de una performance interactiva en la que un grupo de personas manipularon el material aún húmedo hasta transformarlo en un surrealista “cadáver exquisito”. Una instalación que pone de manifiesto el interés de este británico por cuestionar el papel del artista contemporáneo, del arte en general y de sus espectadores.

– JOHN BOCK.

24 de septiembre al 14 de noviembre de 2010

– APOCALIPSIS

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga renueva por quinta vez su colección permanente. Apocalipsis es un reflejo de la sociedad, una sociedad que a lo largo de su historia se ha visto invadida por sentimientos encontrados que van desde la desesperanza, la desolación de la guerra, la muerte o la destrucción, a la incertidumbre, la soledad y la inquietud. Artistas consagrados y de proximidad conforman esta nueva muestra del CAC Málaga, una declaración de intenciones que manifiesta el eterno compromiso del mundo del arte contemporáneo con los problemas sociales y políticos más graves. Una mirada del caos como sinónimo de crisis.

La muerte y las reacciones que ésta provoca, los horrores de la guerra, la pobreza y el poder económico, la violencia de género o el terrorismo, son los ejes fundamentales sobre los que gira Apocalipsis, en clara alusión a los sentimientos y emociones que suscitan en los artistas determinados momentos históricos del último siglo. Frente al olvido y la volatilidad del tiempo, el compromiso y la implicación del mundo de la creación.

En definitiva, el CAC Málaga exhibe con Apocalipsis la implicación de los artistas contemporáneos en los problemas más dramáticos e inquietudes que invaden la sociedad de nuestros días, a través de una amplia representación de fórmulas que pasan por la escultura, la pintura, la instalación, el video y especialmente la fotografía.

– Pasión. Colección Carmen Riera

La selección de obras de la colección, reunida bajo el título de Pasión. Colección Carmen Riera, nos ofrece una visión muy representativa del arte contemporáneo internacional, desde finales del s. XX hasta nuestros días. Un completo recorrido desde al arte pop al conceptual, que nos permite apreciar el interés de los artistas por los nuevos materiales aplicados al arte, la preocupación por el espacio o el análisis de la situación humana.

Nombres como Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat o Cristina Iglesias visitan por primera vez el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, y lo hacen junto a otros artistas que ya expusieron como Louise Bourgeois, Juan Uslé o Anish Kapoor, nombres todos ellos muy vinculados a la trayectoria del museo. El pasado mes de agosto se incorporó a la misma un video de Bill Viola, The Innocents, 2007.

ACTIVIDADES CULTURALES:

Todas las actividades culturales que tienen lugar en el CAC Málaga son GRATUITAS.

– CICLO DE CINE ALEMANIA MULTICULTURAL

El CAC Málaga, en colaboración con Cajamar y Deutsch Schule, organiza para el mes de septiembre el ciclo de cine Alemania Multicultural. Cada martes a partir de las 20.00 horas se proyectará un nuevo largometraje en versión original subtitulada, con entrada libre y gratuita hasta completar aforo.

Los títulos que formarán parte de este nuevo ciclo de cine para el mes de septiembre son: Gegen die Wand (Contra la pared), Geboren in Absurdistan (Nacidos en Absurdistán), Urban guerrillas y Guettokids.

– CONVERSACIONES FUEGO CRUZADO/FUEGO AMIGO

El Centro de Arte Contemporáneo, en colaboración con Cajamar, presenta el ciclo de conversaciones entre artistas y críticos de arte. Será una oportunidad única de conocer a artistas consagrados y jóvenes promesa relevantes dentro del panorama actual, a través de las cuestiones que planteen los críticos de arte, profesores y periodistas invitados.

Las conversaciones serán una forma directa de acercarse a la creación contemporánea de la mano de sus autores y una forma de reflejar el compromiso del teórico o crítico en las nuevas interpretaciones del arte actual.

ACTIVIDADES PEDAGÓGICAS:

Todas las actividades del Departamento Pedagógico del CAC Málaga son GRATUITAS.

– TARDES EN EL CAC: A partir del 15 de septiembre se abrirá el plazo de inscripción para los talleres “tardes en el CAC Málaga”, un taller de continuidad que se desarrollará durante todo el curso escolar 2010/2011 para niños y niñas de entre cinco y doce años. El objetivo del taller será acercar el arte a los más pequeños de una manera más amena y divertida. La actividad es gratuita, y se realizará todos los miércoles y viernes a las 17.00 horas, con una duración aproximada de una hora. La inscripción a estos talleres podrá hacerse a través de la dirección de correo electrónico pedagógico@cacmalaga.org o en el teléfono 952120055

– PROGRAMA DE VISITAS GUIADAS CONCERTADAS: Dirigido a todo tipo de colectivos, asociaciones y grupos que estén interesados en profundizar en el arte contemporáneo. Estas visitas son gratuitas y están adecuadas a las características de los participantes. Estas actividades podrán ser concertadas por los grupos interesados  al Departamento de Actividades Pedagógicas.

El proyecto de Tony Cragg es un itinerario que guía al visitante por las tres plantas de Ca’ Pesaro- desde el hall de entrada y una habitación pequeña en el primer piso, hasta la monumental escalera en el segundo piso con vistas al Gran Canal de Venecia. La exposición muestra 40 piezas en vidrio, bronce, acero, plástico, madera y piedra, así como dibujos preparatorios, acuarelas y otras obras explicando la actividad del artista de los últimos 30 años.

Las piezas que establecen una versatilidad de productos y maneras de trabajo, plantean una comparación con los trabajos permanentemente expuestos en el museo.

“Existe una idea que dice que la escultura es estática, o incluso a veces muerta, pero yo creo que es lo contrario a esto. Yo no soy una persona religiosa- soy un auténtico materialista- y para mi el material es verdaderamente excitante. Cuando estoy en el proceso de crear una escultura estoy en búsqueda de un sistema de ética en el material. Busco que el material tenga una dinámica, que empuje, se mueva y crezca.” Tony Cragg 2007

Los centros que han cerrado son el Museo Nubio de Asuán, el de Cerámica Islámica de El Cairo y los de Mahmud Said y Seif Wanli de Alejandría, informaron el Consejo de Antigüedades (CSA) egipcias y fuentes del Ministerio de Cultura.
El secretario general del CSA, Zahi Hawas, explicó en un comunicado que el Museo Nubio de Asuán, 960 kilómetros al sur de la capital, permanecerá cerrado durante dos semanas para renovar los sistemas de seguridad y vigilancia, y las alarmas.

Hawas señaló que la vida útil de esos sistemas ha acabado, ya que no se han cambiado desde la inauguración del centro en 1997 y se averiaban frecuentemente.

Asimismo, subrayó que se ha decidido intensificar la presencia de vigilantes de seguridad dentro de las salas del museo y en sus alrededores hasta el fin de los trabajos de renovación.

Por otro lado, el Ministerio de Cultura ha decidido el cierre del museo de El Cairo y los dos de Alejandría, 220 kilómetros al norte de la capital, tras descubrir que sus cámaras de vigilancia no funcionaban, indicaron fuentes de ese departamento a Efe.

El diario independiente Al Masri al Youm reveló que documentos oficiales en su poder demuestran que el jefe del sector de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura, Mohsen Shaalan, detenido por negligencia en el caso de “Las Amapolas”, pidió en el 2008 financiación para mejorar la seguridad de los museos.

Sin embargo, el funcionario nunca recibió respuesta, según el periódico.

El Ministerio de Cultura desmintió esa información en un comunicado y agregó que respondió en abril del 2009 destinando 40 millones de libras egipcias (unos 7 millones de dólares) a la mejora de los centros.

Las investigaciones sobre el robo de “Las Amapolas” del Museo de Arte Moderno Mahmud Jalil de la capital han desvelado que su sistema de vigilancia tenía graves deficiencias y que las cámaras de seguridad ubicadas en la sala que albergaba el cuadro estaban estropeadas desde hacía tiempo.

Tampoco funcionaban las cámara colocadas en la entrada y salida del edificio, ni el detector de metales situado en la puerta principal, ni los sistemas de alarma de prevención de robos.

En un comunicado emitido hoy, el grupo opositor Hermanos Musulmanes responsabilizó al Gobierno del robo y apuntó que lo sucedido “es el resultado de la corrupción que se ha propagado en diferentes sectores del Ejecutivo”.

La influyente organización ilegal pidió que sean llevados a juicio todos los responsables del Ministerio de Cultura, comenzando por el ministro Faruk Hosni, y terminando con el funcionario de menor rango

Si algo destaca en el trabajo de esta artista nacida en Belo Horizonte en 1967 es su carácter profundamente brasileño. Mirando detenidamente sus obras en el conjunto de una exposición como esta que ahora le dedica el New Museum neoyorquino, cuesta pensar que alguien no acierte su lugar de procedencia. Rivane, como se la conoce habitualmente (pronunciar correctamente su apellido es una tarea ambiciosa) es heredera de los conceptuales brasileños de los años sesenta y setenta, en especial de los dos creadores paradigmáticos de la segunda mitad del siglo XX, Helio Oiticica y Lygia Clark, artistas que ahondaron en la especificidad del carácter brasileño de una percepción poética y musical de la naturaleza que les rodeaba.

La carrera de Rivane arrancó cuando ella era aún muy joven y ya ha participado en todas las grandes citas internacionales. Su exposición en el New Museum, que está comisariada por Richard Flood, uno de los conservadores del centro, está pensada como un mid-career survey, término anglosajón del que se infiere que un artista está de algún modo considerado ya un clásico en su generación, que, entrado en los cuarenta, lleva ya en torno a veinte años de trayectoria. No en vano, esta exposición cubre tan sólo una década de trabajo, algo que no sorprende si tenemos en cuenta que Rivane suele actuar sobre el lugar, que repiensa los contextos en los que actúa teniendo en cuenta sus características formales y conceptuales.

Si algo define el trabajo de la brasileña es su negativa a ceñirse a un lenguaje o disciplina determinados. Como sus predecesores Oiticica y Clark, toda etiqueta o clasificación era inútil, porque la voluntad primera a la hora de trabajar era violar toda barrera que se pusiese en el camino. Neuenschwander es, ante todo, artista, pero también trabaja en muchísimos ámbitos de la cultura por su obsesión por no quedarse parada demasiado tiempo en un mismo sitio. Y todo tiene relación, pues sus trabajos son momentos detenidos en un fluir creativo y orgánico que es tan constante como próspero.

A day like any other, que es como se titula la exposición, presenta trabajos que exigen la participación del espectador. I wish your wish, de 2003, uno de sus piezas más conocidas, está basada en una práctica habitual en una iglesia de Salvador de Bahía en la que los fieles se atan cintas de tela a las muñecas y piden un deseo. Cuando la cinta se rompe o se pierde el deseo se cumple. En los muros del vestíbulo del New Museum, los visitantes pueden coger esas cintas y escribir nuevos deseos. Es la traducción poética de una tradición local al contexto de una capital global. Otro trabajo bien conocido es First Love, de 2010, en el que un autor de retratos robot de la policía pide a los visitantes que definan los rasgos de sus primeros amores. Los dibujos resultantes colgarán también de una de las salas del centro. La artista tiene la idea y se desvincula de su materialización, dejando hacer a otros agentes. Es la herencia, en su caso poetizada, del arte conceptual.

Otro trabajo interesante, realizado específicamente para esta exposición, esThe Conversation, basado en la película homónima de Coppola de 1974, filme visionario que explora las violaciones de la intimidad y la privacidad a través de la tecnología. Se ha instalado en una de las salas una serie de dispositivos de escuchas. A través de una performance, la artista tratará de encontrar todos esos dispositivos para negarlos y presentar así la metáfora de una vuelta a lo privado.

El trabajo de Rivane tiene mucho de ejercicio transformador. Acude a conceptos universales como el tiempo y el lenguaje y los modifica levísimamente generando nuevas connotaciones que pueden resultar formalmente inaprensibles pero que pueden albergar enormes implicaciones poéticas. Es musical, fresco, ondulante, ligero y grato. Esta exposición que ahora le dedica el New Museum, una de las instituciones que más atención mediática suscita por el enorme tirón de sus proyectos y una de las más visitadas, es de las más importantes de su carrera, y será, sin duda, una de las atracciones del verano neoyorquino.

La Hamburger Bahnhof, situada en el número 50 de Invalidenstrasse, es uno de lo espacios señeros de la ciudad de Berlín y acoge entre sus muros una de las tres ramas de la Nationalgalerie, la dedicada al Museum für Gegenwart (Museo de Arte Contemporáneo). Fue en su día una de las primeras estaciones ferroviarias de Alemania, levantada a mediados del siglo XIX en el fragor de la revolución industrial, y en ella destaca una imponente fachada neoclásica y las proporciones descomunales de sus espacios interiores. Hamburger Bahnhof es una visita obligada para los amantes del arte contemporáneo que visitan Berlín, y más ahora, a punto de inaugurarse la sexta edición de su Bienal, ya consolidada como una de las más interesantes del circuito internacional. Desde 1996 es depositaria de la colección de Erich Marx, centrada en el arte de los años sesenta. Todo el que haya visitado el espacio recordará los trabajos espléndidos de Joseph Beuys, Anselm Kiefer, Claes Oldenburg o Cy Twombly. Es práctica común en la institución berlinesa montar sus exposiciones a partir del marco conceptual de la propia colección, y es en este contexto donde se inscribe la exposición que hoy se inaugura, dedicada al artista estadounidense Bruce Nauman.
La exposición se titula Dream Passage y es la primera retrospectiva de Nauman en Berlín, algo de verdad sorprendente si nos atenemos a la estrecha relación que el artista ha mantenido con el ámbito artístico alemán desde su irrupción en el panorama internacional a finales de los sesenta. La exposición que hoy puede verse en el MACBA en torno al galerista Konrad Fischer revela el temprano interés que el trabajo de Nauman suscitó en Alemania y más concretamente en Dusseldorf. Ya en 1968, Fischer le hizo su primera individual en el país teutón. Ahí conoció a Gerhard Richter, algo mayor que él, y a otros artistas que enarbolaban la bandera del nuevo arte que Nauman modeló con criterio y profundidad inigualables.

Dream Passage tiene como punto de partida la obra Room with my Soul left out, Room that doesn’t care, realizada en 1984, pieza recientemente donada por el coleccionista Friedrich Christian Flick a la Nationalgalerie. Es un trabajo extraordinario, firmemente enraizado en el imaginario del artista en aquel momento, mediados de los ochenta, cuando en su obra predominaban los trabajos vinculados a las posibles experiencias que dimanan de la arquitectura, ya iniciados en los primeros años de su carrera pero evolucionados en su forma y su concepto veinte años después. Es un estructura arquitectónica con dos pasillos horizontales y uno vertical que se entrecruzan en el centro. En esta intersección, el espectador debe mirar hacia abajo donde verá, a través de una rejilla, una imagen temblorosa, como a medio hacer… En Nauman hay un contraste entre la rotundidad de los elementos formales y el desconcierto que muchas veces suscitan. Uno avanza a lo largo de estos pasillos imponentes, de fisicidad insoslayable, para toparse después con una imagen irreal, casi como un sueño, un territorio existencial, beckettiano, imposible.

También puede verse en la exposición la obra Double Cage Piece, donada también por Flick, que se encontraba desde 2005 en el exterior del centro y que ahora puede verse en las salas interiores. Es Double Cage Piece, realizada en 1974, precedente directo de Room with my Soul left out…, un trabajo que abunda en las posibilidades psicológicas de la reclusión y del espacio acotado. El espectador se encuentra enjaulado, es consciente de lo que ocurre en su exterior pero no puede acceder a él. Esta es la idea que gobierna buena parte de la exposición.

De entre los trabajos más tempranos en la exposición destaca la fundamental The True Artist Helps the World by Revealing Mystic Truths (Window or Wall Sign), una pieza de 1967 en la que se adivinan ya buena parte de los intereses de Nauman en torno al lenguaje, la relación de éste con el espacio, las vinculaciones con el arte conceptual…Recordarán muchos algunas de las aseveraciones ya clásicas de Sol LeWitt cuando afirmaba que los artistas conceptuales eran más místicos que racionalistas. Toda la obra posterior de Nauman se aferra a una conceptualización del espacio cimentada en una compleja trama de tensiones teatrales que son claustrofóbicas y exasperantes a partes iguales. Así, trabajos como Corridor Installation (1970),Corridor with Mirror and White Lights (1971) o Kassel Corridor (Eliptical Space)(1972) sumirán al espectador en una atmósfera irritante y turbadora.

Muchos al traducir el título de la nueva exposición del Guggenheim al español tienden a relacionarlo con “embrujado”, sin embargo Haunted: Contemporary Photography/Video/Performance más que un embrujo evoca una nostalgia que atormenta desde el pasado.

Con el gran domo de esta obra arquitectónica de Frank Lloyd Wright cubierto para impedir el paso de la luz y el sonido proveniente de los proyectores que son parte de la última instalación colocada en la parte más alta de la espiral que baja rebotando en la gran explanada del medio, el ambiente que envuelve a esta muestra desde un inicio podría hasta resultar tétrico.

La exposición que abrió al público este 26 de marzo, y que explora a través de imágenes fotográficas, video y performances temas de la memoria, el truma y el regreso al pasado, será presentada a lo largo de toda la espiral y en dos salas del museo, en dos partes.

Haunted muestra alrededor de 100 piezas realizadas por casi 60 artistas, incluyendo muchas adquisiciones recientes que serán vistas en el Museo por primera ocasión.

El concepto de la exposición organizada por Jennifer Blessing, curadora de fotografía, y Nat Trotman, curador asociado, parte de varios hilos conductores que son el de Apropiación y Archivo; Paisaje, Arquitectura y el Paso del Tiempo; Documentación y Reitereación, y El Trauma y lo Extraño.

Mientras la primera entrega de esta exposición durará hasta el 6 de septiembre y se encuentra sobre la rampa del museo, la segunda se sumará en dos de las galerías el 4 de junio y estará a la vista del público hasta el 1 de septiembre del 2010.

El pasado 28 de junio se abrió al público en la Tate Britain la esperada instalación de la artista británica Fiona Banner, una de las más destacadas en el arte de las Islas de las últimas décadas. Su intervención sucede a las propuestas de Eva Rothschild, Martin Creed y Mark Wallinger en un proyecto, el de Duveens Galleries, que, desde una acertada programación y la no menos audaz respuesta por parte de los artistas, viene creciendo en popularidad.La de Wallinger, con su recreación del “chiringuito” que Brian Haw montó frente al parlamento británico en protesta por la guerra de Irak -y que le valió el premio Turner-, o la de Creed, con sus atletas corriendo la longitud de las salas en regular cadencia, supusieron algunas de las mejores experiencias artísticas en sus respectivos momentos.

Ahora, la instalación que presenta Fiona Banner vuelve a tener una rotunda carga objetual. Se trata de la introducción en sala de dos aviones, un Sea Harrier y un Jaguar. No son pocos los artistas que han tratado el tema de los aviones en el arte contemporáneo. Desde Alighiero Boetti o León Ferrari y Fischli/Weiss hasta Aleksandra Mir o la propia Banner, ha venido siendo un tema que ha suscitado un interés singular. Banner ha venido tratando este asunto desde una perspectiva muy personal pues la suya es una interpretación modesta. Las resonancias que rodean a los aviones de guerra, el poder destructor, su velocidad fulgurante o, sencillamente, sus particulares cualidades formales han sido negociadas desde y a través de una cierta austeridad. Desde dibujos de trazo tembloroso y frágil hasta pequeñas maquetas, la obra “aeronáutica” de Banner refleja, tal vez, la sensación de inferioridad de los seres humanos ante las máquinas por ellos creadas, la asunción de su naturaleza mortífera…

No sólo ha tocado el tema desde su vertiente objetual, también se ha colado en el ámbito del cine, deconstruyendo plano por plano películas de cine bélico. En próximas fechas, Banner realizará un interesantísimo proyecto en Newcastle que nace de la fundición de un avión, un Tornado, y la posterior construcción de una campana que situará en una iglesia de la ciudad.

La muestra, que estuvo abierta desde el 19 de abril hasta el 15 agosto y que ha sido la más amplia que el Met ha dedicado al conocido artista español, reunió a un total de 703.256 visitantes, lo que también la coloca como la séptima exposición más exitosa en la historia del respetado museo neoyorquino.
“Nos sentimos especialmente complacidos y orgullosos por el hecho de que una exposición de la espléndida colección del Met haya obtenido una respuesta tan extraordinaria por parte del público”, aseguró en un comunicado el director del museo, Thomas Campbell, quien destacó así la “duradera popularidad” de Picasso.

La muestra, llamada “Picasso en el Museo Metropolitano de Arte”, registró, según los datos de asistencia que maneja la conocida institución museística, una media de 6.700 visitantes cada día, una cifra que aumentó hasta unas diez mil personas los viernes, sábados y domingos.

“La alentadora cifra de asistencia pone de manifiesto no sólo la popularidad de este icónico artista, sino la riqueza y la profundidad de las obras de Picasso que posee el Met”, añadió el director del museo.

La completa exposición recogió 34 pinturas, 58 dibujos, doce esculturas y cerámicas, y unos 200 grabados que sirvieron para mostrar la multidisciplinar carrera de Picasso, de quien se incluyeron obras que jamás habían sido mostradas en público.

Entre esas piezas destacó “Escena erótica”, un cuadro más conocido como “La douleur”, que se había pasado los últimos 28 años en los sótanos del Met y del que el propio artista renegó en su día.

En este cuadro se ve a una mujer desnuda sentada sobre una cama y con la cabeza volcada sobre la entrepierna de un muchacho, vestido sólo con un suéter y recostado sobre una almohada.

La muestra ofreció así un completo repaso de la obra de Picasso con piezas tan emblemáticas como la primera pieza que el Met obtuvo del español: un retrato realizado en 1906 de la escritora estadounidense Gertrude Stein, cuya casa en París fue centro de reuniones de los protagonistas de los movimientos de vanguardia más influyentes de la época.